Oggi assistiamo continuamente a progetti in cui la contaminazione tra gli universi dell’arte e dell’auto è sempre più un fattore chiave.

Porsche 930 Turbo e Daniel Arsham

Oggi assistiamo continuamente a progetti in cui la contaminazione tra gli universi dell’arte e dell’auto è sempre più un fattore chiave. È il caso della Porsche 930 Turbo del 1986 reinterpretata da Daniel Arsham, poliedrico artista statunitense con una vera e propria passione per la casa di Stoccarda. Daniel racconta infatti che fin da bambino amasse disegnare tutto ciò che erano scarpe, macchine fotografiche e…Porsche

Non è la prima volta che l’artista collabora con l’OEM tedesca: lo scorso aprile aveva presentato la sua prima opera d’arte: una 911 trasformata in una scultura monolitica in scala 1:1 erosa in più parti della carrozzeria, destinato ad arricchire il suo filone Future Relic di cui fanno anche parte una riproduzione della tessera della metro di NY, svariati pokemon e il Brillo Box di Warholiana memoria.

A stuzzicare il genio di Arsham questa volta è il passato di Porsche nel mondo delle corse, nell’anno in cui si celebra il 50esimo anniversario dalla prima vittoria a Le Mans.

Nella 930A, Arsham si è immaginato la squadra corse Porsche del futuro, ispirandosi nel design alla 935 K3 di Dick Barbour che corse la Le Mans 1980, con spunti anche da altre vetture di quell’epoca.

Ogni dettaglio racconta un pezzo del passato di Porsche dell’artista, che per riuscire nel suo intento ha assegnato a diversi esperti una parte del progetto, a partire dalle linee della livrea, dipinta a mano da David Gwyther aka Death Spray Custom (Dsc), un inno all’estetica racing anni 70-80, ripresa coerentemente nello stile dei loghi applicati che chiaramente non hanno nulla a che fare con il decennio 70-80, ma sono i partner con cui Arsham ha lavorato fino ad oggi. Un modo originale per celebrare il percorso dell’artista e ringraziare chi ha contribuito negli anni alla sua ascesa.

I cerchi sono un chiaro tributo a quelli della Porsche Rsr; disegnati e realizzati appositamente da Matt Crooke di Fifteen 52 e impreziositi dal monogramma di Arsham Studio.

Negli interni la vera novità sono i materiali, non cambia invece la disposizione. Nell’abitacolo vince il gioco di contrasti tra pelli avorio e blu navy nei pannelli porta, ripreso anche su volante quadro strumenti, a cura sempre di Dsc. E non è tutto, perché Arsham non bada solamente all’estetica, spingendosi in una serie di migliorie tecniche in fatto di motore e trasmissione (completamente modificato) grazie al know how del nostro amico Ted Gushue di Type7.

La 930A è sicuramente una delle declinazioni artistico-automobilistiche contemporanee più riuscite, come Porsche non sia solo una fabbrica di automobili, ma un gruppo di ingegneri, creativi, designer animati dalla passione per l’innovazione e il progresso, senza dimenticare il lato estetico.

Mercedes Classe G e Virgil Abloh 

Rimaniamo in zona Stoccarda per una delle collaborazioni più attese del 2020: quella tra Mercedes e Virgil Abloh che hanno dato vita ad una one off su base Classe G che, com’era facilmente prevedere, ha fatto molto discutere: osannato dai giovanissimi seguaci del designer di Rockford, blastato dai puristi.

La presentazione del Project Geländewagen, avvenuta interamente in digitale, rappresenta la perfetta fusione tra moda, arte e cultura automotive. La pulizia delle linee esterne fa subito risaltare la silhouette della vettura.

La carrozzeria è stata volutamente espansa e l’assetto ribassato, a celebrare e quasi accentuare in maniera caricaturale i volumi dell’auto e alcune delle sue imperfezioni che la rendono però al contempo un’icona senza eguali.

Le saldature sono dichiaratamente a vista e vengono quasi messe in risalto, i pneumatici sovradimensionati, basta vedere la ruota di scorta sul posteriore. Gli interni sono un elogio al minimalismo, algidi, ipertecnologici con evidenti riferimenti all’universo racing.  La plancia portaoggetti è stata eliminata ed il quadro strumenti rimane analogico, creando un bel contrasto con il mood futuristico dell’abitacolo.

Dicevamo degli elementi dal mondo delle corse: in un tripudio di bianco spiccano il turchese della rollcage ed il rosso fluo dei dettagli sul quadro strumenti e delle cinture di sicurezza a cinque punti. Ah, il piccolo estintore, posizionato tra i due sedili anteriori è la ciliegina sulla torta.

Con Project Geländewagen, Abloh e Gorden Wagener, Chief Design Officer di Mercedes-Benz, intendono ribaltare l’attuale percezione del lusso. Il risultato tra la fusione di due filosofie di design diametralmente opposte è una via di mezzo tra presente e futuro, che trova nel Classe G il loro comun denominatore.

L’output, che piaccia o meno, è una personalissima e contemporanea interpretazione del glorioso SUV tedesco. Voi cosa ne pensate?

Maserati Quattroporte Trofeo UNICA

Unica è la collezione di FuoriSerie, che interpreta i trend del momento. Il concept creativo nasce grazie al lavoro del Centro Stile Maserati e Garage Italia, partendo dall’idea di un colore puro che potesse raccogliere l’insieme di tutti i colori, ne è nato così un effetto arcobaleno. Il bianco puro ha una mica rainbow che, a seconda della prospettiva da cui viene osservato, restituisce l’intero spettro cromatico. Sulla livrea si riflette un monogramma con la parola NOW, dove la lettera W è sostituita da una porzione del Tridente di Maserati. La scritta, ottenuta mascherando sotto trasparente il monogramma su tutti gli esterni, vuole essere un incoraggiamento al vivere il momento, la celebrazione dello spirito positivo di una ripartenza che per Maserati significa anche questo nuovo programma di personalizzazione delle sue vetture. All’interno dell’abitacolo è stata proposta una divisione di colore tra la parte posteriore bianca e quella posteriore in turchese, Artificial Intelligence Acqua, il Color of the Year 2021. Anche i pannelli porta riprendono il gioco bicolore, con il turchese negli anteriori e taglio diagonale che muta in bianco nei posteriori. La proiezione del raggio di luce attraverso le vetrature con monogrammi NOW vuole creare un gioco di ombre che si allungano o si accorciano a seconda dell’ora del giorno, trasmettendo quella sensazione dell’attimo da cogliere e vivere con intensità. L’effetto rainbow ritorna anche all’interno dell’abitacolo nell’imperiale come nuvola multicolore. Ulteriore elemento distintivo è il tricolore che impreziosisce il tridente sul volante.

Anche i cerchi introducono un trattamento cromatico positivo, ironico attraverso l’uso di un bicolore inedito e nuance pastello nei toni del bianco e del Living Coral, dettaglio cromatico utilizzato anche sulle pinze freno e sui fregi.

Completano il look il volante misto Alcantara e pelle Frau turchese con monogram laserato NOW, la plancia e il tunnel con finitura a specchio azzurra lucida, baule in Alcantara e tappeti in moquette a pelo lungo, cielo in Alcantara con stampa olografica e montanti sempre Alcantara bianca ma senza stampa.

Ora che ve le abbiamo raccontate tutte e tre, qual è la vostra preferita?

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Garage Italia Hub nasce proprio con l’intenzione di creare una rete sempre più ampia per condividere con voi nuove idee, progetti e contenuti digitali.
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SOLOMOSTRY

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Solomostry si laurea in Graphic design nel 2012. Vive e lavora a Milano.
Solomostry possiamo dire essere un artista poliedrico – che spazia dalla serigrafia al muralismo, dalla pittura all’installazione – ed è proprio per merito della sua essenza eclettica che intorno al 2007 – e grazie all’incontro con alcune realtà techno/clubbing presenti nella capitale lombarda – si allontana dai graffiti e plasma nuovi soggetti, i suoi soggetti: i Mostri.
La ricerca di Solomostry è caratterizzata da una linea compositiva spezzata che si protrae a comporre entità geometriche espressive, rivelanti di violente emozioni. Si tratta di maschere mostruose interpreti delle impressioni, delle trepidazioni, delle inquietudini, degli eccessi, presenti nella vita di tutti i giorni. Il marcato outline costruisce e distrugge al tempo stesso. Le dure linee squarciano la superficie e segnano spazi entro cui giocano colori vivi e piatti, ormai tipici di Solomostry.
Solomostry è rappresentato in Italia dalla galleria Lunetta 11, in Svizzera da Kolly gallery e a Parigi da Cohle gallery.
Ha collaborato con diversi brand sia italiani che stranieri rapportandosi a differenti media e i suoi lavori sono visibili in diverse parti del mondo.

Come definiresti il tuo stile?

Ho sempre cercato di esprimere i miei sentimenti in maniera pura e consona all’ ambiente in cui li mettevo.
L’elemento di esplorazione principale del mio lavoro è la linea e l’impatto, attirare l’attenzione di chi guarda.
La linea, nei graffiti è ciò che ti permette di costruire una tag, ovvero il tuo nome, la tua identità.
La linea che costruisce la tag è lo scheletro del tuo graffito, lo scheletro di quello che fai vedere al mondo, di quello che metti in strada.
Per questo la ricerca deve essere improntata sull’impatto, devono riuscirti a vedere da molto lontano, in strada ci sono un sacco di distrazioni, ma tu devi spiccare su tutti, o non ce la puoi fare.
Per riuscire in tutto questo sono sempre alla ricerca di nuove tecniche e materiali su cui sperimentare.

La linea che costruisce la tag è lo scheletro del tuo graffito, ovvero il tuo nome, la tua identità.

Cos’è per te la personalizzazione?

La personalizzazione per me è il distinguersi dalla massa ed essere unico.
Questa ricerca di unicità si riflette sulle capsule che vado a creare in limited edition, customizzando qualunque tipo di media mi si presenta davanti.
Rapportarmi con materiali diversi è una continua sfida a creare qualcosa di nuovo ed unico.

Quanto ami Milano e cos’ha in più delle altre città?

Milano è la mia città natale, ho vissuto in altre città in passato, come Barcellona e Berlino, e ne ho girate altre tante per lavoro, ma Milano mi richiama sempre a se. Milano sono i miei amici e i miei affetti e ancora di più il mio quartiere, la mia zona di cui vado molto fiero e che cerco nel mio piccolo di portare avanti.

A che cosa ti sei ispirato per la customizzazione della Jumpsuit?

Su questo progetto abbiamo lavorato a 4 mani, perchè in SOLOMOSTRY oltre all’artista, c’è un team dietro che crede e supporta ogni progetto, dalle installazioni, alle customizzazioni fino ad arrivare alle edizioni limitate che facciamo uscire.
Quindi direi che l’ispirazione principale è stata l’appartenenza ad un gruppo, il fare parte della stessa bandiera e speriamo che chi indosserà questo capo si sentirà parte integrante di quello che portiamo avanti tutti i giorni.

Come l’hai realizzata?

È stata realizzata completamente a mano in serigrafia.

C’è una tecnica che prediligi in particolare tra quelle che utilizzi nei tuoi lavori?

La produzione solomostry è suddivisa in tante aree, dalla pittura su tela, all’installazione con diversi materiali, alla serigrafia per il custom di abbigliamento, e ultimamente alla ceramica.
Nella pittura prediligo strumenti che mi permettano di avere un tratto d’impatto, come pennelli, spray, ma il mio preferito rimane lo spruzzino da giardinaggio a pressione caricato a vernice.
La serigrafia è un altra tecnica che amo molto, perché mi permette di replicare in serie le grafiche su diversi materiali come la stoffa, la carta, il legno e tutto quello che riesco a stampare.
Negli ultimi due anni ho ripreso ad utilizzare la ceramica e al momento è la tecnica che mi intriga di più, perché non ho ancora il controllo totale, e quindi mi presenta sempre nuovi problemi, che una volta risolti mi generano grande soddisfazione.


Come nasce un Mostro?

All’inizio i soggetti dei miei lavori erano Mostri, almeno io li chiamavo cosi,
erano entità che si impossessavano del nostro IO interiore e ci incoraggiavano a fare cose di cui eravamo spaventati.
Erano sentimenti potenti e inarrestabili, impattanti, sentimenti puri che rappresentavano l’animo di chi si sente giovane e ribelle.
Erano tutti diversi, ma tutti uniti verso un unico scopo, accompagnare e avvolgere lo spettatore donandogli una forza sconosciuta che lo faceva sentire invincibile e pronto ad affrontare quello che gli aspettava dal suo cammino.
Crescendo, il tempo ci mette davanti a svariate situazioni, che ci portano ad affrontare i nostri sentimenti in maniera più contenuta e sistematica,
ci costruiamo armature fatte di svariate emozioni, per essere pronti in ogni situazione a non far capire quello che è il nostro vero IO.


Dove sogni di vedere un giorno esposti i tuoi Mostri?

Sono soddisfatto del percorso fatto fino ad ora, ho già portato i mostri in diverse parti del mondo, quindi in realtà più che sognare di portarli in un posto specifico, spero che i miei mostri continueranno a portarmi sempre più lontano.

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Solomostry si laurea in Graphic design nel 2012. Vive e lavora a Milano.
Solomostry possiamo dire essere un artista poliedrico – che spazia dalla serigrafia al muralismo, dalla pittura all’installazione – ed è proprio per merito della sua essenza eclettica che intorno al 2007 – e grazie all’incontro con alcune realtà techno/clubbing presenti nella capitale lombarda – si allontana dai graffiti e plasma nuovi soggetti, i suoi soggetti: i Mostri.
La ricerca di Solomostry è caratterizzata da una linea compositiva spezzata che si protrae a comporre entità geometriche espressive, rivelanti di violente emozioni. Si tratta di maschere mostruose interpreti delle impressioni, delle trepidazioni, delle inquietudini, degli eccessi, presenti nella vita di tutti i giorni. Il marcato outline costruisce e distrugge al tempo stesso. Le dure linee squarciano la superficie e segnano spazi entro cui giocano colori vivi e piatti, ormai tipici di Solomostry.
Solomostry è rappresentato in Italia dalla galleria Lunetta 11, in Svizzera da Kolly gallery e a Parigi da Cohle gallery.
Ha collaborato con diversi brand sia italiani che stranieri rapportandosi a differenti media e i suoi lavori sono visibili in diverse parti del mondo.

Come definiresti il tuo stile?

Ho sempre cercato di esprimere i miei sentimenti in maniera pura e consona all’ ambiente in cui li mettevo.
L’elemento di esplorazione principale del mio lavoro è la linea e l’impatto, attirare l’attenzione di chi guarda.
La linea, nei graffiti è ciò che ti permette di costruire una tag, ovvero il tuo nome, la tua identità.
La linea che costruisce la tag è lo scheletro del tuo graffito, lo scheletro di quello che fai vedere al mondo, di quello che metti in strada.
Per questo la ricerca deve essere improntata sull’impatto, devono riuscirti a vedere da molto lontano, in strada ci sono un sacco di distrazioni, ma tu devi spiccare su tutti, o non ce la puoi fare.
Per riuscire in tutto questo sono sempre alla ricerca di nuove tecniche e materiali su cui sperimentare.

La linea che costruisce la tag è lo scheletro del tuo graffito, ovvero il tuo nome, la tua identità.

Cos’è per te la personalizzazione?

La personalizzazione per me è il distinguersi dalla massa ed essere unico.
Questa ricerca di unicità si riflette sulle capsule che vado a creare in limited edition, customizzando qualunque tipo di media mi si presenta davanti.
Rapportarmi con materiali diversi è una continua sfida a creare qualcosa di nuovo ed unico.

Quanto ami Milano e cos’ha in più delle altre città?

Milano è la mia città natale, ho vissuto in altre città in passato, come Barcellona e Berlino, e ne ho girate altre tante per lavoro, ma Milano mi richiama sempre a se. Milano sono i miei amici e i miei affetti e ancora di più il mio quartiere, la mia zona di cui vado molto fiero e che cerco nel mio piccolo di portare avanti.

A che cosa ti sei ispirato per la customizzazione della Jumpsuit?

Su questo progetto abbiamo lavorato a 4 mani, perchè in SOLOMOSTRY oltre all’artista, c’è un team dietro che crede e supporta ogni progetto, dalle installazioni, alle customizzazioni fino ad arrivare alle edizioni limitate che facciamo uscire.
Quindi direi che l’ispirazione principale è stata l’appartenenza ad un gruppo, il fare parte della stessa bandiera e speriamo che chi indosserà questo capo si sentirà parte integrante di quello che portiamo avanti tutti i giorni.

Come l’hai realizzata?

È stata realizzata completamente a mano in serigrafia.

C’è una tecnica che prediligi in particolare tra quelle che utilizzi nei tuoi lavori?

La produzione solomostry è suddivisa in tante aree, dalla pittura su tela, all’installazione con diversi materiali, alla serigrafia per il custom di abbigliamento, e ultimamente alla ceramica.
Nella pittura prediligo strumenti che mi permettano di avere un tratto d’impatto, come pennelli, spray, ma il mio preferito rimane lo spruzzino da giardinaggio a pressione caricato a vernice.
La serigrafia è un altra tecnica che amo molto, perché mi permette di replicare in serie le grafiche su diversi materiali come la stoffa, la carta, il legno e tutto quello che riesco a stampare.
Negli ultimi due anni ho ripreso ad utilizzare la ceramica e al momento è la tecnica che mi intriga di più, perché non ho ancora il controllo totale, e quindi mi presenta sempre nuovi problemi, che una volta risolti mi generano grande soddisfazione.


Come nasce un Mostro?

All’inizio i soggetti dei miei lavori erano Mostri, almeno io li chiamavo cosi,
erano entità che si impossessavano del nostro IO interiore e ci incoraggiavano a fare cose di cui eravamo spaventati.
Erano sentimenti potenti e inarrestabili, impattanti, sentimenti puri che rappresentavano l’animo di chi si sente giovane e ribelle.
Erano tutti diversi, ma tutti uniti verso un unico scopo, accompagnare e avvolgere lo spettatore donandogli una forza sconosciuta che lo faceva sentire invincibile e pronto ad affrontare quello che gli aspettava dal suo cammino.
Crescendo, il tempo ci mette davanti a svariate situazioni, che ci portano ad affrontare i nostri sentimenti in maniera più contenuta e sistematica,
ci costruiamo armature fatte di svariate emozioni, per essere pronti in ogni situazione a non far capire quello che è il nostro vero IO.


Dove sogni di vedere un giorno esposti i tuoi Mostri?

Sono soddisfatto del percorso fatto fino ad ora, ho già portato i mostri in diverse parti del mondo, quindi in realtà più che sognare di portarli in un posto specifico, spero che i miei mostri continueranno a portarmi sempre più lontano.

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APJP

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APJP nasce nel 2018 da un’idea di Alberto Panocchi Joelle Pomioli, rispettivamente buyer e fashion designer.

Tutto è partito da un episodio, quando il pantalone preferito di Alberto si è rovinato dopo un lavaggio in lavatrice. Joelle ha avuto la brillante idea di farci un artwork in candeggina e il risultato è stato pazzesco. Da lì sono nate le basi dell’idea e del progetto APJP, ovvero ridare vita ad un capo che avesse già fatto il suo normale corso di “first hand”.

Sperimentando continuamente tecniche diverse, APJP mette a punto una serie di lavaggi e tinteggi che diventano subito molto riconoscibili ed apprezzati. Emerge fin da subito l’anima del progetto, che vuole dare una seconda vita ai capi e utilizzare prodotti e materiali di riuso, così da poter risparmiare nuove produzioni e di conseguenza ridurre l’inquinamento derivante dal fast fashion.

Il risultato è un pezzo unico e sempre diverso.

Come definiresti il tuo stile?

Lo stile del nostro progetto è unico, data la sua singolarità, ispirata dai vecchi capi workwear.

Ci piace chiamarlo “progetto” e non Brand perché lo interpretiamo più come una forma d’arte, un qualcosa di veramente sentito e mai forzato, senza linee guida, tendenze o limiti di alcun genere.

La prima volta di APJP è stata durante la Milano Design Week, in un cortile di Brera, circondati dall’affetto di amici e avventori spontanei.

É stato un live painting molto intenso, intimo ma allo stesso tempo molto spontaneo e naturale.

Da quel momento sono partite collaborazioni con realtà come Puma, Ac Milan e Converse.

Creatività, rendere pazzesca una cosa banale. Sempre pensata alla persona che dovrà indossarlo.

Cos’è per voi la personalizzazione?

Creatività, rendere pazzesca una cosa banale. Sempre pensata alla persona che dovrà indossarlo.

Quanto amate Milano e cos’ha in più delle altre città?

Tanto, tantissimo, a tal punto che questa primavera, in pieno lockdown, mi sono ripromesso che non l’avrei mai abbandonata. Milano è fantastica e offre un sacco di opportunità a chi le sa cogliere. Qui hai il giusto compromesso tra una metropoli che non si ferma mai e i ritmi più rilassati della vita di quartiere.

A che cosa vi siete ispirati per la customizzazione della Jumpsuit?

Come abbiamo detto le nostre performance non hanno né uno schema precostituito né una precisa divisione dei compiti. Può succedere di lavorare a quattro mani sullo stesso capo o in parallelo su due capi diversi. In questa occasione ognuno di noi ha lavorato alla “sua” tuta.

A: Io mi sono ispirato alle vecchie tute da lavoro, abbandonate per anni in magazzino

J: La mia è ispirata da una tipologia di stampa camouflage delle divise militari, alleggerita e stilizzata, riprodotta con una tecnica che abbiamo via via perfezionato.

Come l’avete realizzata?

Abbiamo entrambi cercato di dargli un’allure vissuto ed uno stile contemporaneo applicando della pittura.

Com’è lavorare in coppia?

Bisogna sempre riuscire a mantenere un equilibrio tra sfera personale e professionale, questo è il punto più difficile. Ad ogni modo APJP non sarebbe quello che è ad oggi se non ci fossimo entrambi: siamo un’unione di idee, stili e personalità.

Come vi preparate ad una delle vostre performance?

Il nostro segreto è quello di non prepararci. Sempre spontanei ed impulsivi.


APJP è solo upcycling o un domani potrà essere applicato sul “nuovo”?

Il progetto è nato per dare una seconda vita ad un vecchio capo e l’upcycling è un cardine della nostra identità, vorremmo sempre portare avanti questo concetto.

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IGNORANCE1

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Il lavoro di Ignorance1 ruota attorno agli stili grafici che hanno caratterizzato la scena musicale rave degli anni ’80 e ’90. Gli elementi grafici moderni sono combinati a modelli e stili classici, in modo che gli artwork mantengano un mood vintage con quel tocco di contemporaneità unico.

La parola “ACID” è abbastanza ricorrente in molti dei suoi lavori. Questa particolare parola viene inserita in diversi contesti artistici ed esplorata in base ai diversi significati che può avere in quei contesti. L’acido è un sapore, una corrente musicale, un viaggio, uno stato emotivo. “Non triste ma non felice, JUST ACID” è una citazione che compare su alcune opere ed è solo un esempio dell’utilizzo del concetto per definire un particolare contesto emotivo con un pizzico di ironia.

Come definiresti il tuo stile?

Non triste, non felice, semplicemente acido.

Cos’è per te la personalizzazione?

La personalizzazione per me, nonostante possa sembrare banale, è rendere personale una qualsiasi cosa.

Nel mio caso mi diverte farlo in modo abbastanza “freestyle”, trattando l’oggetto o il capo come se fosse un foglio bianco.

Non triste, non felice,
semplicemente acido.

Quanto ami Milano e cos’ha in più delle altre città?

Con Milano ho un rapporto costante da anni di amore e odio, ma in fin dei conti non posso che esserle estremamente grato per le molte opportunità che concede dal punto di vista creativo e professionale. Una caratteristica che solo Milano possiede è quella dei luoghi nascosti che si continuano a scoprire ancora oggi dopo tanti anni.

A che cosa ti sei ispirato per la customizzazione della Jumpsuit?

Per customizzare la Jumpsuit ho voluto mixare il mio stile con il workwear nudo e crudo delle officine meccaniche.

Come l’hai realizzata?

Ho dapprima usato spray e marker per customizzare le patch: di alcune ho totalmente customizzato il back e di altre invece il front. Successivamente sono intervenuto direttamente sulla Jumpsuit disseminando frasi e messaggi.

I rip-off di loghi presi in prestito dal mondo delle corse sono tra i tuoi soggetti preferiti: Shell, Agip, Michelin e Pirelli per citarne alcuni. Hai una passione per l’universo automotive o semplicemente ti affascina la parte grafica di quei brand?

Le vecchie officine sono sempre state di grande ispirazione per me.

Con mio padre, grande appassionato di motori, ne ho viste tantissime fin da bambino e sono rimasto folgorato da tutto quel microcosmo di targhe vintage, calendari e merchandising dei brand dell’universo automotive.

L’anno scorso, durante una mia mostra, ho potuto realizzare anche uno dei miei rip-off su una vera targa.

Ancora oggi rimango affascinato dalle grafiche di questo settore e sembra incredibile il modo in cui si prestino tutte magnificamente ad essere stretchate e rielaborate.

Raccontaci come nasce uno di questi rip-off

Il primo rip off del mondo motori è stato quello del Bibendum di Michelin, a cui ho aggiunto una seconda testa triste accanto a quella sua classica sorridente. È stato un esperimento come tanti,  ma è stato subito molto apprezzato. Da lì è partito un po’ il mio claim “not sad not happy just acid”.

Il resto dei rip-off invece nascono di solito guardando la reference “ufficiale” e cercando di capire come possono inserirsi i codici grafici e i concept che uso solitamente, spesso tutto avviene in maniera molto spontanea e naturale.

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SANGI

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Sono Pietro, ma quando lavoro mi chiamano Sangi, come il quartiere di Milano in cui sono nato e cresciuto. Luogo di ritrovo con gli amici e fonte costante di ispirazione per la mia ricerca estetica, che parte dalla funzionalità quotidiana.    

Le sneaker e il focus sull’innovazione nel footwear design aprono le porte di un mondo più ampio, quello di una moda in costante evoluzione e che si adatta a nuove necessità.

Come definiresti il tuo stile?

Estetica e funzionalità. Il design racconta attraverso forme, proporzioni, materiali e colori la tendenza umana a trovare soluzioni pratiche ed efficaci.

Cos’è per te la personalizzazione?

L’occasione per trasformare un oggetto secondo la tua visione e il tuo gusto. Personalizzare è poter conferire ad un oggetto, qualunque esso sia, un valore aggiunto che rappresenti pienamente il proprio stile. Personalizzare non vuol dire stravolgere, ma lasciare il segno.

Personalizzare non vuol dire stravolgere, ma lasciare il segno.

Quanto ami Milano e cos’ha in più delle altre città?

Sono innamorato della mia città! A partire dal contrasto di passato e futuro, evidente anche solo dall’alternarsi di palazzi storici e grattacieli moderni, che formano un presente ricco di realtà e di persone che fanno della creatività il punto di forza di una città sempre al lavoro.

A che cosa ti sei ispirato per la customizzazione della Jumpsuit?

La Jumpsuit nasce come abbigliamento da lavoro per poi diventare un capo fashion da indossare in qualsiasi occasione. Riportandola alle sue origini, ho lavorato per renderla il capo d’abbigliamento ideale per il designer del 2020. Tradizione e innovazione coesistono per valorizzare le pratiche manuali e supportarle con la tecnologia. Possiamo essere tutti designer con una matita o con un clic.

Come l’hai realizzata?

Ho realizzato la Jumpsuit nel mio garage, che ho allestito come laboratorio. Lì ho la macchina da cucire e tutti gli strumenti per lavorare a miei progetti. Negli ultimi anni ho accumulato diverse componenti per realizzare calzature e abbigliamento. Le restrizioni dell’ultimo periodo e la scarsa reperibilità di ulteriori risorse, ha fatto sì che utilizzassi materiali di cui ero già in possesso, dandogli nuova vita.

Sappiamo che le sneaker sono il tuo forte. Quando nasce questa passione?

La mia passione per le sneaker nasce quando frequentavo le scuole medie. Il primo approccio è stato verso una Jordan, ovviamente! Da lì ho approfondito sempre di più, scavando alla ricerca dei modelli più iconici, particolari e rivoluzionari.

Con la mia pagina Instagram ho voluto puntare un faro su questo mondo: mostrando la mia ricerca attraverso un archivio digitale ho avuto l’opportunità di interfacciarmi con diversi addetti ai lavori.

Qual è la tua preferita tra quelle che hai già e quella che vorresti avere un giorno? 

La mia sneaker preferita in assoluto è la Reebok – Instapump Fury, che racchiude tutto quello che cerco in una scarpa. Un modello che dopo più di 30 anni rimane avveneristico. Ne possiedo diverse, ma quella di cui vado più fiero è la collaborazione con Pyer Moss, Experiment 4 Fury Trail, pazzesca. Una scarpa in particolare che mi ha colpito e su cui vorrei mettere le mani sono le Porter x Takashi Murakami – BS 06R T.Z.

Com’è stato lavorare su un capo così diverso come la Jumpsuit?

Da sempre mi interesso, sono appassionato, e studio moda. Mi capita di lavorare a progetti sia di calzature che di abbigliamento! Partendo dalle scarpe, il mio sguardo sale e si interessa a tutto ciò che indossiamo.

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